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Damià Vives

Damia VIVES, Pliegues X, 2017. Courtesy Galería Fran Reus

Damià VIVES

Artà, Mallorca, 1981

Presentado por GALERÍA FRAN REUS

En la obra de Damià Vives el dibujo es una herramienta fundamental. Interpretado siempre como registro público conformado por líneas que se crean azarosamente, el dibujo parte de una situación real en la que el artista está inmerso. Las rutas que realiza cada día en transporte han originado una fuente de creación de imágenes que él relaciona con la idea de una cartografía performativa en su extensa serie de dibujos sobre papel Cartografías de paisajes interurbanos I (2011-14) que recogen trayectos en metro, bus, tranvía, tren, barco, etc. o en otros trabajos en los que ha utilizado diversos soportes como Rutinas (2016) o Cartografía de recorridos interurbanos I (2016).

Como un sismógrafo perfectamente calibrado, el trabajo de Damià Vives registra el pequeño temblor y la gran emoción que hay detrás del movimiento, del cambio. Pero conviene utilizar mejor la imagen del cardiograma, porque Vives no se inmiscuye en la vida de los otros. Su trabajo tiene un componente biográfico muy presente que es capaz de interpelar desde el relato de una vida individual.

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Solmaz Cornet

Solmaz CORNET. A l’aube de la mémoire, 2017. Courtesy Galerie Jean Louis Ramand

Solmaz CORNET

Isfahán, Irán, 1981

Presentada por GALERIE JEAN-LOUIS RAMAND

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Grado de Estrasburgo (Francia), anteriormente se había diplomado en Artes Visuales por la Universidad de Teherán (Irán). En Yarz (Irán) también cursó estudios de diseño gráfico.
Su trabajo despliega el dibujo, con bolígrafo y rotulador, logrando con sus trazos una maraña de líneas de patrones ricos y encajes densos enrollados como redes.
Estos diseños adornan a modo de tocado real, o cabello suntuoso, los personajes que crea.
Los dibujos de Solmaz Cornet están llenos de complejidad, ya no sólo por la ejecución sino también por el contenido simbólico y la potente carga emocional que emanan.
Su trabajo se basa en las fuentes de la cultura persa y, en ocasiones, usa aves como motivos aludiendo a su refinamiento y elegancia.
La lectura de sus obras, llenas de surrealismo y nostalgia, generosidad y riqueza, puede convertirse en una revelación tanto en el plano estético como emocional.

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Sandra Krasker

Sandra KRASKER, Verser l’offrande, 2017. Courtesy Galerie Jean Louis Ramand

Sandra KRASKER

Lot Garona, Francia, 1976

Presentada por GALERIE JEAN-LOUIS RAMAND

Licenciada por la Escuela de Bellas Artes de Toulouse. Tras doce años en las grandes agencias de publicidad parisinas como directora artística, cambió la paleta gráfica por la de pintora y reanudó sus estudios validando una opción de arte en la Ecole des Beaux-Arts.
Su profesión publicitaria ha fortalecido su gusto por la imagen en todas sus formas y puestas en escena.
Sandra Krasker explora nuestra relación más íntima con el cuerpo, entre el «exterior» e «interior». Expone a la sangre de la piel y el papel venas, flujos de sangre o redes musculares y órganos vitales.
Krasker convierte los cuerpos en una cuestión política. El cuerpo arrojado al mundo, puesto en una situación de confrontación con él y la alteridad que lo constituyen.
En algunas de sus obras construye, con la memoria del pasado anarquista familiar, un discurso sobre el cuerpo como trofeo de guerra tanto por su destrucción como por la violencia con que se maltrata.

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Agente Morillas

Agente MORILLAS, Lago en llamas, 2016. Courtesy Galería Pepita Lumier

Agente MORILLAS

Málaga, 1978

Presentada por GALERÍA PEPITA LUMIER

Mamen Morillas es técnico superior en gráfica publicitaria e ilustración por la Escuela de Artes y Oficios San Telmo de Málaga y la Escola Massana de Barcelona, respectivamente. Ha recibido también distintos cursos de formación artística, dibujo, modelado e ilustración, web y animación.
Empezó a publicar profesionalmente sus ilustraciones tras ganar un concurso de ilustración organizado por La Vanguardia y la Generalitat, ilustrando las portadas de un suplemento dominical de dicho periódico.
Su particular estilo la ha posicionado como uno de los referentes de la ilustración española, desenvolviéndose sin problema en ámbitos tan dispares como la moda, el humor gráfico, la prensa o la pintura en directo y mural.
Paralelamente a su faceta como ilustradora, desarrolla su carrera artística en la que lleva a cabo un trabajo mucho más íntimo y personal, en el cual explora otras disciplinas como la pintura o la escultura.

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David de Las Heras

David DE LAS HERAS, Cazadores plantas, 2016. Courtesy Galería Pepita Lumier

David DE LAS HERAS

Bilbao, 1984

Presentado por GALERÍA PEPITA LUMIER

David de las Heras es licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, donde se especializó en la rama de pintura. Precisamente fue en Bilbao donde pasó muchos años trabajando en un estudio de arte, donde empezaron muchas de sus exposiciones individuales y colectivas.
David transmite a través de sus trazos un mundo paralelo y onírico, donde la ensoñación forma parte del proceso creativo.
Su trabajo como pintor se ha expuesto en diferentes países como Portugal y Alemania. También ha expuesto obras en ciudades como Barcelona, ​​San Sebastián, Bilbao, Vitoria y en La Casa Encendida en Madrid.
En su búsqueda por encontrar otras formas de expresión artística, decidió estudiar ilustración en la Escola Massana de Barcelona.
En este campo encontró el lugar perfecto para comunicar de manera más gráfica y expresiva, tanto que ahora David trabaja como ilustrador y pintor en un estudio llamado Domingo en Barcelona.

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Chelo MATESANZ

Chelo MATESANZ, Instalación Dibujos pegados con chicles, 2014. Courtesy Espacio Olvera

CHELO MATESANZ

Reinosa, Cantabria, 1964

Presentada por ESPACIO OLVERA

Profesora titular de la facultad de Bellas Artes de Pontevedra y, por lo tanto, consciente de la seriedad que concierne al arte, Chelo Matesanz aborda con ironía y humor su obra.
Partiendo de temas que derivados del propio existir, como la familia o la sexualidad, y otros como la crítica social o cultural, junto con la subversión de los procesos técnicos, logran un discurso ácido que nos remueve por dentro.
El silueteado o el abocetado hacen de su dibujo algo aparentemente sencillo, que esconde bajo sus líneas simples un lenguaje elevado, el cual busca un cuestionamiento de su propio discurso humorístico.
Con multitud de exposiciones, tanto individuales como colectivas, a sus espaldas, y el peso de su visión teórica sobre la retórica del objeto, hacen de cada una de sus obras un espacio de reflexión irónico a la par que riguroso.

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Soledad Córdoba

Soledad CÓRDOBA, Velada XV, Serie Devastación, 2015. Courtesy Galería Gema Llamazares

Soledad CÓRDOBA

Avilés (Asturias), 1977

Presentada por GEMA LLAMAZARES

Las fotografías de Soledad Córdoba abordan el dolor y la identidad a través de artificios narrativos en los que se introduce ella misma como modelo en escenificaciones fragmentadas que componen series temáticas.

El dolor emocional vuelve a ser protagonista de su trabajo en la serie “Devastación”, que se adentra en el proceso de la ruptura amorosa y sus consecuencias, un viaje con estaciones en la desolación y el silencio que acaba con una curación en la que un proceso artístico de autoconocimiento es el factor de cambio. Es este autoconocimiento el que mejor retratan los dibujos que forman parte del proyecto: los grandes ojos azules de la artista destacan en los rostros cubiertos por encajes, blondas y ramificaciones vegetales, como umbrales donde se encuentra el interior y el exterior de cada persona.

Córdoba ha continuado creando dibujos que ahondan en las exploraciones identitarias en su último proyecto“Resistencia” para el Museo Barjola de Gijón.

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José Luis Serzo

José Luis SERZO, Pensamiento iceberg, Serie Morfología del encuentro, 2017. Courtesy Galería Gema Llamazares

José Luis SERZO

Albacete, 1977

Presentado por GEMA LLAMAZARES

José Luis Serzo es conocido por sus grandes «exposiciones-relato». Narrador infatigable, artífice de universos fantásticos y posibles, construye mundos que trascienden la realidad y que lejos de ser refugio frente a un panorama hostil dominado por el pesimismo y la violencia, pretenden ser una alternativa positiva, una plataforma esperanzadora desde la que abordar y transformar tanto el arte como la vida misma.

Comprometido y beligerante con esta causa, Serzo se coloca así en la vanguardia de una contemporaneidad que no renuncia al virtuosismo técnico y a la tradición del oficio, y que reivindica la potencia del arte como recurso catártico para transformar el mundo. De este modo, sus historias se vertebran mediante la convivencia de pinturas, esculturas, instalación, dibujos, escritos y vídeos que aspiran a conformar una inmensa obra de arte total, en donde se relaciona la verdad con la ilusión y la realidad con su representación metafórica, tautológica, anacrónica, mágica.

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Pablo Capitán del Río

Pablo CAPITÁN, Instalación Pneuna, 2017. Courtesy Galería Art Nueve

PABLO CAPITÁN DEL RÍO

Granada, 1982

Presentado por GALERÍA ART NUEVE

El trabajo de Pablo Capitán se desarrolla tanto en escultura como en pintura y dibujo. Su obra gira en torno al objeto, su tridimensionalidad y la formación de un imaginario que conforma su estilo.
Ha obtenido recientemente la Beca Manuel Rivera para un proyecto de investigación, en Berlín, sobre la figura del entomólogo e ilustrador europeo del XVIII desde la óptica del arte actual, cuya parte práctica supone la elaboración de una investigación de archivo y la ejecución de una serie de obras plásticas que cuenten con la zoología como referencia conceptual.
Ha recibido también IV Premio a la producción artística Fundación Banco Santander y V JustMAG Premio al artista joven 2016. La colección de la Fundación BilbaoArte Fundazioa posee parte de su obra.
Actualmente reside entre Granada, Madrid y Bilbao.

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Gamaliel Rodríguez

Gamaliel RODRÍGUEZ, Figure 1790, 2017. Courtesy Galería ATM

Gamaliel RODRÍGUEZ

Puerto Rico, 1977

Presentado por ATM GALERÍA

La trayectoria artística de Gamaliel Rodríguez ha estado centrada en la observación y estudio de conflictos de emergencia social para luego plasmarlos y trabajar así con la memoria.
A través de situaciones dramáticas, ahonda en las reacciones colectivas y la huella emocional que estas tragedias dejan en los ciudadanos.
Sus propuestas se acogen a conceptos como “reapropiación”, “reinterpretación” y “deconstrucción” del mensaje dejando patente la deuda que tiene su trabajo con el ideario de Rolan Barthes.
Explora los aspectos técnicos y visuales del bolígrafo que, además de subrayar su pericia, depura un estilo que mira hacia la ilustración clásica, el grabado y los planos arquitectónicos.
Gamaliel Rodríguez es licenciado en Bellas Artes por la Universidad del Sagrado Corazón en San Juan, Puerto Rico. Ha participado en ferias como ARCO y en la Bienal de Cerveira y ha expuesto, de manera colectiva e individual, en museos como el SCAD en Savannah (Georgia, Estados Unidos) o los españoles CAM2, de Móstoles, y MUSAC, de León, entre otros.

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