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Alicante, 1987

Presentada por ATM GALERÍA + ADDAYA ART

Dècoupes es una propuesta que pone en contacto dos cosas tan dispares como la técnica utilizada por Anna Atkins para publicar el primer álbum de botánica ilustrado exclusivamente con imágenes fotográficas, y el método “pictórico” utilizado por Matisse “Cut.outs” en el último periodo de su vida, a través de algo tan escultórico como la arquitectura.
El proyecto toma su nombre de la palabra que Matisse utilizaba para referirse a la técnica que desarrolló en la última etapa de su vida debido a una enfermedad que le impidió pintar. Matisse comenzó a recortar formas vegetales mayoritariamente en papeles pintados a guache que luego instalaba en varias composiciones sobre la pared con el apoyo de una ayudante.

Castellón de la Plana, 1985

Presentada por LA CARBONERÍA – ESPACIO DE ARTE

Altea Grau investiga el diálogo que existe entre las connotaciones e ideas asociadas a la página, desafiando y desenmascarando los procesos comunicativos convencionales a través de ideas ligadas íntimamente a ese concepto de página como la dualidad, el eco, el reflejo y la noción de pliego. Crea a partir de esa idea un espacio donde la materialidad de la imagen, el texto, la tinta y el papel coexisten.
Against Syntax, es un proyecto multidisciplinar que apela al doble significado de la palabra “against” que en castellano significa “en contra” pero también “en contacto” y a la sintaxis como el modo en que se combinan los elementos que componen el mensaje. A través del dibujo, el grabado y la instalación la artista propone explorar los significados que surgen de nuestra interacción con el lenguaje escrito, los espacios más íntimos del proceso de comunicación.

Málaga, 1970

Presentado por RUIZ LINARES

El ambicioso proyecto Our Men in Tahiti de Simon Zabell está basado en la última novela del escritor escocés Robert Louis Stevenson – ‘The Ebb Tide’, publicada en España bajo el título ‘Bajamar’.
Formado por una serie de acuarelas, el proyecto incluye además pinturas de gran formato, esculturas y un cortometraje documental. A diferencia de las obras plásticas, estas pequeñas piezas gráficas son de carácter muy figurativo y representan a los protagonistas de la lacerante narración en diferentes momentos de su desenvolvimiento, haciendo uso de la expresión corporal para enfatizar el carácter de cada uno de los cuatro personajes. Las representaciones buscan un reflejo del tono de la prosa de Stevenson mediante la inactividad de las figuras, evitando siempre la ilustración de los momentos de acción; figuras que quedan endulzadas irónicamente con las sensaciones cromáticas irisadas de las acuarelas, que no hacen más que aumentar lo siniestro de sus caracteres.

Toledo, 1981

Presentada por RUIZ LINARES

Cristina Ramírez investiga con su obra la representación de un horror de raíces cósmicas a través del dibujo como herramienta fundamental. Aborda la idea del miedo a unas fuerzas de orden sobrenatural que irrumpen en el plano de la existencia ordinaria; la manifestación del conflicto que surge de la inserción de un fenómeno de origen inexplicable, único y excepcional en el plano de lo real. Este principio, uno de los ejes de su trabajo, es también la esencia y el fundamento de lo fantástico, de la transgresión de la realidad.
Sus dibujos se sitúan en un espacio liminal donde naturaleza y paisaje aparecen como únicos testigos de la acción de las fuerzas invisibles del horror cósmico en un universo no antropocéntrico. En estos escenarios donde la presencia humana se reduce a vestigios, cobran protagonismo procesos materiales llevados a un extrañamiento extremo: fantasmales efectos sin causa o causas de efectos terribles.

Madrid, 1971

Presentada por LA CASA AMARILLA

El naufragio de Europa, y las causas que lo precipitan, continúan siendo los asuntos que ocupan la obra de Sara Quintero. Sus últimos dibujos surgen de apropiaciones y citas de imágenes que a lo largo de la historia han ofrecido un significado cultural y político del continente. Aquellos principios fundacionales fueron desvaneciéndose a lo largo del tiempo hasta alcanzar la deriva actual.
Hace escasas fechas la poeta Ana Gorría entrevistó al filósofo Manuel Reyes Mate quien volvió a mostrar su extrema preocupación por la actitud de la Unión Europa con los refugiados, un «ejemplo elocuente de degradación moral». Las palabras de Reyes Mate son las imágenes que Sara Quintero pinta y dibuja, incansable, en sus proyectos recientes: Amábamos a Europa (2015) y Cenador para un jardín (2018). La artista elige con precisión las imágenes del pasado que actualiza con las suyas propias; haciendo que todo estalle: viejas nostalgias, sueños utópicos y visiones idealizadas.

Zaragoza, 1975

Presentada por LA CASA AMARILLA

Begoña Morea Roy persevera en sus obras más recientes en el trazado de un sistema cartográfico emocional mediante una caligrafía subjetiva, frágil y vulnerable. El desarrollo orgánico de la tectónica de sus collages, hechos con restos de papeles, exige una mirada atenta y muy próxima para así poder atisbar entre los pliegues, intersticios y cavidades, la experiencia de una acción abierta a múltiples desarrollos de generación, acumulación, proliferación, yuxtaposición y desviación.
Todos estos efectos suceden en el discurrir compositivo de sus obras y son objeto de transformación cíclica en la secuencia serial, a través de la relación que establece entre las diferentes fases de un proceso manual determinado por la elección de papeles que recorta, arranca, pinta, arruga y pega en sucesivas capas. Las formas de límites sinuosos se alían con destellos de color cuyos timbres e intensidades ponen el acento en el quebradizo equilibrio del que penden estas colgaduras flotantes.

Zaragoza, 1975

Presentado por LA CASA AMARILLA

Fernando Martín Godoy dibuja montones de escombros que remiten a la destrucción total; e interiores de estudios de artistas, donde los efectos y riesgos de esa destrucción que reduce todo a la nada se notifican, para hacerlos visibles, en la soledad de la creación.
La disposición acumulativa de los papeles que despliega sobre las mesas en la serie Estudios, deriva, visual y conceptualmente, en los montones de escombros de los Desastres. Ambas series, que el artista organiza numerándolas clínicamente, I, II, III… y resuelve como variaciones de un mismo esquema compositivo, le permiten describir lo que ve sin levantar la voz, sin denunciar, ni intención de redimir. Los escombros se imponen a las ruinas en estas obras: sus Desastres son un «foso de las formas», al decir de Klee, donde yacen los despojos a la espera de ser rescatados del olvido en los Estudios.

Quinto, Zaragoza, 1964

Presentado por LA CASA AMARILLA

Consciente de la seducción que acompaña a la retórica de la velocidad como promesa que nos libera de lo efímero de nuestra existencia, al decir de Mark Dery, Teo González comparte con Donna Haraway la urgencia por sentir la fragilidad de la vida y el paso del tiempo. De tal modo que la tensión que acompaña a estas cuestiones, fundamentales en nuestra experiencia individual y cotidiana, la expresa en el tratamiento «postminimal» de sus obras, resueltas en sutiles tramas cuadriculadas, de ritmos simultáneos y repetitivos, que ocupan la totalidad de la superficie. El conflicto suscitado entre la configuración regular de la red elástica y la presencia impredecible por azarosa de las minúsculos gestos ogotas que ocupan las pequeñas celdillas, provoca una singular vibración óptica que altera la posibilidad de una visión única. El trabajo metódico de la acción queda determinado por el pulso del artista y las circunstancias del proceso que discurre en tiempo real e irrepetible.

León, 1968

Presentado por la GALERÍA SIBONEY

Las obras de Daniel Verbis corresponden a dibujos de la serie Psicogramás (Imágenes de archivo, 2000-2018), Work in progress que el artista se plantea como el negativo fantasmal de su propia pintura. Si la pintura con todas sus contradicciones fuera el positivo consciente del sujeto, estos dibujos, grabados, collages…, en definitiva, esta obra incolora sería su negativo inconsciente, el producto del sueño, de la enfermedad, del miedo. Archivo en blanco y negro de una pintura a todo color que quiere ser una radiografía del propio artista, una incolora metáfora de ese sujeto que quiere hacer visible lo imaginado. Junto a estos Psicogramas podemos ver alguno de sus libros de artista, un trabajo que calladamente Verbis lleva haciendo desde hace años.

Santander, 1964

Presentado por la GALERÍA SIBONEY

Los dibujos de Sergio Sanz, la mayoría bocetos de sus pinturas, son de una rareza que resalta precisamente por la discreción de sus medios. Esta rareza reside en el extraño mundo que con ello construye o reconstruye, porque su universo figurativo está repleto de jirones temporales escapados de la corriente histórica de turno.
Hay un tema dominante en su obra, el de los conjuntos y bandas de jazz de la dorada época de los años 1920, pero a los que Sergio Sanz somete al filtro de lo siniestro. Son composiciones que recuerdan esas «escenas de conversación», cuya domesticidad se ha transformado cada vez más en una exhibición de seres más o menos monstruosos. Son dibujos que poseen la peculiaridad de lo espectral, que no nos deja indiferentes. No puede hacerlo, pues nadie puede ser refractario a los secretos mejor guardados de uno mismo, sobre todo, cuando alguien los airea con tan insidiosa penetración.