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Moixent, Valencia, 1964

Presentado por SET ESPAI D´ART

La producción artística de Rubén Tortosa está relacionada con las investigaciones surgidas del acto de mirar a partir de dispositivos tecnológicos y los procesos que se derivan del uso de la tecnología. El artista plantea la creación desde un trabajo reflexivo en torno a imagen y representación, centrando su interés en la visualización de datos.
La instalación The Bird: the journal of the image, compuesta por una máquina de dibujar a partir de un sistema cartesiano de tres ejes, está conectada a una fuente de datos con la geolocalización diaria de un ave rapaz protegida, en un espacio temporal de un año. El resultado de la interpretación de los datos recopilados son líneas aleatorias que reflejan el trayecto diario del ave, transformando la obra de arte en nuevas formas de conocimiento y de interacción con el espacio y con el tiempo.

Madrid, 1973

Presentado por OGAMI PRESS

Als ob (“como si”, en alemán) es el nombre que el filósofo Hans Vaihinger utilizó para definir una serie de razonamientos en torno al concepto de ilusión, por el cual el hombre crea ciertas ficciones y sistemas de pensamiento científicos, filosóficos o religiosos, comportándonos como si el mundo encajara en estos modelos.
El proyecto se sirve de la reproducción masiva y seriada cientos de ejemplares en papel de una misma imagen para la realización de una serie de piezas donde las sucesivas copias son utilizadas no como réplica de un original sino como parte de un proceso de transformación de lo representado, como cambio constante continuo de una idea a través del tiempo.

Évora, Portugal, 1983

Presentado por MÓDULO – CENTRO DIFUSOR DE ARTE

El trabajo de Pedro Calhau es una empresa sistemática que construye y organiza el conocimiento en forma de explicaciones comprobables sobre el universo, donde trata de pensar en la naturaleza universal de las cosas y en las intersecciones de sus particularidades. Los resultados de esta tarea sistemática se expresan en una serie de dibujos que intentan reflejar todos estos problemas.
En la serie Our Founding Fathers, el artista aborda el concepto de los «padres fundadores». teniendo en cuenta dos referencias precisas. Por un lado, una serie de fotos de una colección de 8 bustos de yeso, y, por otro lado, las implicaciones simbólicas de la expresión «nuestros padres fundadores» cuando se toma de su lugar de origen y su interpretación natural y se utiliza en un sentido mucho más amplio.

Favaios, Portugal, 1978

Presentado por MÓDULO – CENTRO DIFUSOR DE ARTE

El proyecto de trabajo de Marco Moreira parte fundamentalmente de una reflexión sobre la práctica y los métodos de producción inherentes al desarrollo de su actividad artística, centrándose especialmente en la práctica del dibujo. Procura explorar sus límites y fronteras, entre lo bidimensional y lo tridimensional, y conjuntar una relación entre la representación y lo real, así como entre el artista, la obra y quienes la disfrutan, el público. Una relación que define la condición de la inscripción de lugar y permita reflexionar sobre ella.
De esta forma, el artista aborda conceptos como la intuición, la intelección, el tiempo y el espacio, recontextualizando objetos e ideas con el fin de materializar procesos creativos. Recurre a un trabajo sintético, pero al mismo tiempo envolvente, con la intención de que la obra tenga existencia en una dimensión poética.

Lisboa, Portugal, 1996

Presentada por MÓDULO – CENTRO DIFUSOR DE ARTE

El proyecto de Ana Romãozinho cosecha todo lo que queda en silencio del día a día como las formas, colores, ritmos, movimientos, estructuras, palabras, y frases. Un tipo especial de memoria que se expresa en la obra.
Como en un juego, se diseña un sistema que juega con la forma, cumpliendo una regla propia que narra cada estado y tiempo de trabajo, normalmente desarrollado en serie y que informa sobre la trayectoria del pensamiento que lo satisface. Así es como se desarrolla el lado lúdico y experimental presente en la obra de la artista.
Su proyecto trata sobre el lenguaje en el que se presenta la obra y las diferentes composiciones en las que se organiza su vocabulario. Se trata de la constitución de un camino entre el dibujo de una letra y el juego de un poema donde la forma, en todas sus dimensiones y lecturas, designa un proyecto.

Madrid, 1984

Presentada por OGAMI PRESS

Almudena Lobera muestra modelos alternativos para la configuración de lo visible, profundizando en la noción de que la imagen no es siempre visible o accesible en la naturaleza. Su obra busca conectar con el legado del pasado y la influencia de autores clásicos y renacentistas con un presente instantáneo y continuo que explora las cualidades efímera y virtuales de nuestra era.
Imagine corpore, inspirada en el legado del virtuoso orfebre manierista Wentzel Jamnitzer, presenta un misterioso políptico gráfico en el que la imagen de un paisaje se desvanece a medida que se repliega, toma volumen, se abstrae y se transforma en cuatro elementos, retomando la gama cromática previa a la fotografía en blanco y negro.
Un trabajo que habla del proceso de captura, percepción, interpretación y representación de lo que vemos, en el que confluyen armónicamente lo sensorial y lo tangible, lo calculado y lo aleatorio, lo variable con lo unívoco y la deconstrucción con la construcción.

Madrid, 1942

Presentado por OGAMI PRESS

Alberto Corazón despliega en el taller de Ogami Press toda la habilidad y conocimiento que una amplia trayectoria en el terreno del diseño gráfico y la pintura le han proporcionado durante años.
Esta serie de monotipos capturan con espontaneidad y frescura la belleza y la poesía del pensamiento de uno de los artistas más intelectuales y reconocidos de las últimas décadas.

“En ese estado semihipnótico que ya no es realidad, pero tampoco sueño, entendí ese espacio de geometría blanda que es la Alhambra, como cruces de caminos, intersecciones como gestos, siempre entre una neblina monocroma.”
Alberto Corazón

París, Francia, 1955

Presentado por YOKO UHODA GALLERY

Para Pierre Ardouvin, el dibujo es una práctica espontánea que persigue de forma continua y recurrente y que tiene múltiples funciones: un medio para anotar ideas o visualizar proyectos, también puede adquirir un estatus más autónomo, más próximo al dibujo automático, para crear imágenes y visiones puras.
Pierre Ardouvin utiliza con frecuencia la acuarela, una técnica de luz acorde con la espontaneidad buscada. La referencia a la «pintura dominical» que hereda en ella no disgusta a este entusiasta de las formas de cultura populares. También recurre a la apropiación de imágenes fotográficas y de collage. Las imágenes de tarjetas postales representativas de la sociedad del ocio de masas: estaciones balnearias, turismo cultural y museístico, o incluso islas paradisíacas, son motivos recurrentes en la obra de Pierre Ardouvin. Estas «tomas» son objeto de una reapropiación regular por parte del artista a través de series de collages pintados y de dibujos.

Ontinyent, Valencia, 1969

Presentada por la GALERÍA PEPITA LUMIER

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Valencia UPV y Master en Diseño Gráfico por CEU San Pablo. Aunque inició su carrera como pintora, participando en muestras con diferentes galerías a nivel nacional, a finales de los años 90 comenzó a experimentar con textiles y bordados, que eventualmente reemplazaron a la pintura como el medio escogido para sus narraciones visuales.
Siempre fiel a su estilo figurativo y detallista, las imágenes de Paula Sanz Caballero casi siempre son figuras de la alta sociedad, en un entorno elegante y sofisticado, pero cargadas de ironía, humor oscuro y detalles inquietantes. Retoma el movimiento craft de William Morris y su placer en el trabajo en cuanto a sus obras sobre bordado se refiere. Combina el esquematismo de su dibujo y su trazo con el detallismo del resultado.

Almansa, Albacete 1990

Presentada por la GALERÍA PEPITA LUMIER

La artista, nacida en Almansa y afincada en Valencia, ha ilustrado para Warner Music, Penguim Random House, Valencia Plaza, Panenka o Glamour, entre otros. Ha expuesto en muestras individuales y colectivas en València, Madrid, Barcelona, Bilbao y Zaragoza.
El bolígrafo azul vuelve a ser su herramienta principal. Puede hablar de cualquier cosa usando un bolígrafo y un papel como medios de expresión, aprendiendo así a aceptar que el error es parte de cualquier proceso. El hilo, es lo que nos une a nuestras raíces y tradiciones, rindiendo homenaje a las mujeres que hicieron la vida junto a las que la lucharon, a través del bordado. La artista presenta una amplia muestra de dibujos con un sinfín de metáforas y de poesía, de técnica sobresaliente y cuidado extremo del concepto, de homenaje a las mujeres.