Graz, Austria, 1975
El método de Klaus Mosettig es “empírico más que representativo, y se ocupa principalmente del acto de dibujar en sí mismo y la transmisión objetiva de información visual desde la proyección hasta el papel, a través de su mano. Las imágenes transcritas pierden sus contextos históricos y se convierten en estudios en tono y línea”.
Barcelona, 1975
«Sergio Mora pertenece a una generación de jóvenes artistas que, desde los inicios del siglo XXI, expandieron su actividad pictórica más allá de los límites del lienzo. Una vez más ocuparon espacios que siempre habían necesitado de la audacia del arte, del oficio de pintor, pero que, después del impulso de la posmodernidad, habían sufrido un cambio fuera del foco de la discusión estética, tal vez debido a la clara tendencia de estos pintores de no excluir de sus obras un estilo narrativo acusado: un camino que podría fusionarse con el de la ilustración y que, lejos de molestarlos, alienta y fortalece sus convicciones.
La infancia, los juegos y los juguetes, la televisión, el rock, el pop, las películas, la ciencia ficción, los monstruos, el arte como algo mágico, que Mora siempre defiende, son elementos que pueblan sus obras hasta que se convierten en lugares de transformación, memoria, alegría y esperanza, un más allá que se logra a través de la contemplación».
Julio Hontana
Lisboa, Portugal, 1986
“La memoria tiene pasado y presente. Es una especie de conciencia del tiempo que produce significados a sabiendas e inconscientemente, como nos dice Proust, por la ocupación de ese lugar intersticial de antes en el ahora. Hay tanto un esfuerzo predispuesto para recuperar algo que creemos que está perdido, como la aceptación pasiva de la memoria como un nuevo pasado. Es esta memoria, subjetiva y dinámica, la que constituye el campo de intervención de AnaMary Bilbao. Su práctica siempre proviene del recuerdo de un gesto pasado, siempre superado por sus réplicas en sus defectuosos esfuerzos miméticos (…) ”. Escribió Ana Cristina Cachola escribió sobre la práctica de la artista.
El proceso de dibujo de Bilbao ahora es subliminal al proceso fotográfico, que la artista está explorando: fotografía de dibujo, previamente aplicada por un método de raspado en la memoria de otra imagen, lo que resulta en la ausencia de una narrativa.
Lisboa, 1977
El deslizamiento (como proceso) y el campo (como media y concepto) son determinantes en los dibujos de Paulo Lisboa. En palabras de Nuno F.G. Loureiro, Profesor Asistente, Departamento de Ciencia e Ingeniería Nuclear, MIT, estos dibujos «parten de una selección de su trabajo en el que la oscuridad se convierte en sustancia y su ausencia es luz, en una capa sobre capa de sedimentación meticulosa» . Son dibujos (de 2016 y 2018) que cumplen con los puntos de partida y llegada de la obra del artista, lo que significa la naturaleza de la luz y la forma en que revela y observa la realidad tangible. Muy brevemente, en estas obras, provenientes de una serie casi infinita, el deslizamiento causado en cada punto del grafito invoca, según el artista, «la vida de un fotón, desde su generación en el núcleo del sol hasta la retina del ojo humano. El que da testimonio, el que conecta el cuerpo con la mente y con la conciencia «.
Soria, 1959
La inconfundible obra de Dis Berlín, aun cuando esté realizada al óleo, muestra habitualmente una base dibujística que la emparenta con un cierto clasicismo. Sus imágenes mid-century, procedentes de una cultura visual muy esteticista que ha perdurado hasta nuestros días, se mezclan y solapan en composiciones de aire surreal, siempre muy gráficas. Constituyen bodegones, paisajes o incluso únicamente intrigantes estampados en los que el colorido brillante es un componente emocional muy importante.
Dis Berlín es un artista que tiende cada vez mas a la factura cuidada y preciosista. Ello no le impide investigar nuevos soportes como las encuadernaciones de libros antiguos que presenta en la serie “Bookbindings”, que además de formar parte material de la obra inspiran la elección de los objetos y figuras dibujadas.
Badajoz, 1978
La tradición popular de los amuletos y talismanes, la nueva imaginería creada por los medios de comunicación de masas actuales, la historia del arte y, muy especialmente, el barroco andaluz con sus representaciones de la muerte, son fuentes de energía creativa para Mariajosé Gallardo, que estudió en la Escuela de Bellas Artes Santa Isabel de Hungría de Sevilla, donde vive y trabaja.
Gallardo crea imágenes sincréticas y anacrónicas agregando referencias diversas, a modo de archivos en donde que el orden no es evidente y se pide al espectador que deambule entre los significados simbólicos.
Entre las exposiciones recientes de la artista destaca la amplia retrospectiva celebrada en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga titulada “Muerte. Juicio. Infierno. Gloria.”, 2019.
Malmö, Suecia, 1992
Daniel Fleur terminó sus estudios en la Academia de Arte de Malmö en 2018 y ha comenzado ya una carrera internacional.
Tanto sus dibujos como sus pinturas al óleo tienen su punto de partida en los cambios y las desviaciones que pueden ocurrir cuando una imagen se traduce en información codificada. En su trabajo, Fleur permite que tanto su propio uso de imágenes digitales como la forma de comunicación de la sociedad se transformen en una nueva creación donde se examina la sustancia de la imagen digital y su relación con la pintura.
La traducción de la información visual y los procesos de compresión de la imagen generan estos paisajes desmaterializados cuyas líneas y colores se comportan como cuando uno intenta recordar un sueño justo después de despertarse, en una posición entre la pervivencia y la desaparición.
Lisboa, Portugal, 1982
Ana Velez ha participado en varias exposiciones individuales y colectivas a nivel institucional, pero también en proyectos colectivos de arte urbano.
En su trabajo, ha establecido el dibujo como una herramienta direccional, indagando sobre sus múltiples posibilidades materiales, lo que la llevó a desarrollar su trabajo también en el espacio público. Allí realizó una serie de intervenciones pictóricas en edificios dañados o ya desaparecidos.
Aborda temas que giran en torno al concepto de identidad, basado en tres ideas: lugar, memoria y cuerpo, destacando el lugar como contenedor de memoria e identidad.
Lisboa, Portugal, 1954
“Siempre es así, en todo el trabajo de Teresa Dias Coelho: sus cuadros siempre parecen estar tan unidas a una evidencia figurativa que ofrecen cierta resistencia al paso a otro nivel de elaboración que aprehenda los fantasmas que están ocultos en ellas. Y bien podemos decir que están llenos de fantasmas». (António Guerreiro, 2017)
Si su trabajo está marcado por lo que un poeta portugués resumió como tiempo de fantasmas, los fantasmas pueden ser de historias individuales o familiares, a las que solo tenemos acceso en los detalles que se nos dan: los pies, los zapatos, las posiciones y las suposiciones que plantean, como de colectivos anónimos de una misma época: retratos de parálisis o de lucha. Si en su pintura la «evidencia figurativa» parece esconder a estos fantasmas de alguna manera, es en el dibujo donde ganan mayor densidad, como una sirena o una alerta en la niebla de la memoria. Turn Again, la serie a la que pertenecen estos dibujos se puede leer de esta manera: la resistencia y la persistencia del dibujo.
Lisboa, Portugal, 1994
En Work’s Words, poema visual y manifiesto artístico de 2016, Sebastião Castelo Lopes declara la relación de su trabajo con las palabras. Los dibujos recientes de Au Lecteur (2019) continúan este juego intertextual con la poesía y también desafían al espectador, reutilizando y reelaborando, de acuerdo con su propia ética de trabajo, el decadentista Ennui de Baudelaire (Hypocrite lecteur, – mon semblable, – mon frère! ), en un momento en que el Ennui parece instalarse en todas partes. Como observa acertadamente João Valinho, Sebastião Castelo Lopes nos desafía, y se desafía a sí mismo, con obras en las que nos enfrentamos “con un proceso de reintervención por parte del artista, en varios intervalos de tiempo, de meses a años. […] Además de esta relación contenciosa entre lo que se dice, describe y su apariencia formal, todavía hay innumerables relaciones entre estos y lo indescriptible: la libre correspondencia de formas, en un plano emancipado de la sensación, que Sebastião Castelo Lopes nos ofrece tanto como sea posible y nos invita a experimentar. Para el lector, no con alegría, tristeza o aburrimiento, sino con total serenidad”.
Ganador del Premio de Adquisición de la Fundación Millennium BCP / Drawing Room Lisboa2019.
