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Blog Archives

FELIPE BEDOYA

Cali, Colombia, 1987

GALERÍA JOSÉ AMAR

Felipe Bedoya reflexiona sobre el desplazamiento y la ocupación de su espacio vital; el artista parte de la observación y el registro fotográfico de grupos de personas en diversas situaciones. Los individuos se asocian a un trabajo rutinario que siempre está delimitado por áreas asignadas en el espacio público.
La línea, la distancia y el vacío son la base compositiva para crear un sistema de relaciones subordinadas a cuadrículas y conjuntos. Bedoya utiliza la repetición, los patrones, el aislamiento, la división y la agrupación como herramientas para invitar al espectador a interpretar el microcosmos de personajes diversos que interactúan entre sí y sobre su entorno.
En el montaje de las obras se pone en diálogo la singularidad de cada pieza con la multiplicidad geométrica de su lectura en conjunto.

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ALEJANDRO GARCÍA RESTREPO

Medellín, Colombia

GALERÍA JOSÉ AMAR

Lo híbrido es inherente a cualquiera de mis obras y mis imágenes tienden siempre a ser mezcla de diversas naturalezas. La imagen es más que una mera recopilación de apariencias sensibles, la imagen es ante todo un punto de vista determinado, en donde se depositan emociones y pensamientos que no están contenidos en los objetos de la realidad, sino que están determinados por mi relación con ellos. Esto hace que el oficio tenga un papel determinante, pues mi gesto en el dibujo es la manifestación directa de mis emociones y pensamientos. Lo real y lo imaginario se cruzan en la obra, convirtiendo a la representación en un fenómeno en donde están plasmadas emociones e ideas, en vez de una mera captura de apariencias sensoriales. 
En mis exploraciones más recientes, la coexistencia entre lo natural y lo humano es una temática que se ha ido conformando. Siempre he creído que la naturaleza se nos presenta parcialmente inaccesible. De algún modo, la historia humana inicia cuando los hombres se distinguieron de los animales y se rompieron los nexos con algún aspecto esencial de lo natural. Particularmente me interesa cómo el hombre a través de lo poético busca relacionarse con su entorno por medio de ejercicios de representación e interpretación del mundo, reinventando y definiendo a través del arte todo lo que ve.
Alejandro García Restrepo

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JOHN ROBINSON

Worcester, Reino Unido, 1981

PITT STUDIO

«Una vida dedicada a cometer errores no solo es más honorable sino más útil que una vida dedicada a no hacer nada».
George Bernard Shaw

 

El trabajo de John Robinson trata de explorar maneras de pintar la figura humana. A menudo él mismo es el sujeto. Quiere volver a visitar el popular tema del autorretrato y hacerlo de una manera nueva. Trabaja normalmente a escala bastante pequeña en óleo sobre lienzo, siempre con el color base de sombra natural. Ha vivido en Madrid durante algunos años, inicialmente como artista residente en el Museo del Prado, inspirándose en los espacios oscuros de Goya y las alegorías de Velázquez. Quiere que sus imágenes sean alegorías oscuras de estados psicológicos, pero eso también puede ser divertido.
Su trabajo se puede encontrar en colecciones públicas de todo el mundo. Nació en Worcester Reino Unido en 1981 y estudió arte en la Universidad de Falmouth y en la Escuela de Arte Byam Shaw en Londres.

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TONY SQUANCE

Reino Unido, 1969

PITT STUDIO

“Somos artistas; somos sensibles e importantes
asentamos la cabeza con cara de serio
ya tomada buena parte del champán…”
(Ballad of Tindersticks)

 

Sobre las “figuras” que posan en primer plano de estas imágenes se puede decir que representan el narcisista que reside dentro de cada uno de nosotros; a menudo posando de manera triunfante, desafiante o con falsa seriedad. Miran a la “cámara”; rompen la cuarta pared, como dicen en el mundo del cine…
De los fondos abstractos “planos” se puede decir que describen las “creaciones” de la figura que posa, o incluso su entorno que tanto le importa. A veces la figura se fusiona con el fondo.
Esta serie sale de mis reflexiones sobre cómo ha cambiado la manera de promover mi propio trabajo usando las redes sociales en los dos últimos años.
Tony Squance

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PACO POMET

Granada, 1970

MY NAME´S LOLITA ART

Dedicado a la pintura y al dibujo, desde que se licenció en la Facultad de Bellas Artes de Granada en 1993, Pomet no ha abandonado nunca la figuración y el surrealismo, dos constantes que establecen el cuerpo central de su obra pictórica.
En la obra de Pomet siempre hay un dibujo implícito, que es el que traza sobre el lienzo en un primer momento. Ese dibujo sienta las bases de todo el proceso posterior y conforma el andamiaje de toda la obra. En este caso, el proyecto consistiría en que este proceso, previo a cada obra, pasara a ser el protagonista y se convirtiese en la finalidad.
El dibujo ha sido su auténtica escuela, y la base de su trabajo. La línea, el claroscuro, la luz y la sombra son los elementos imprescindibles, las herramientas más importantes con las que el artista ha contando siempre para armar su discurso pictórico.

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ILLÁN ARGÜELLO

Madrid, 1978

MY NAME´S LOLITA ART

De formación autodidacta, Illán Argüello es uno de los pintores de la nueva figuración de los noventa que más influencia ha recibido del movimiento “metafísico” italiano. Su obra se caracteriza por una iconografía austera en la que destacan los elementos geométricos y los artefactos inverosímiles.
Su mundo de arquitecturas visionarias es representado de forma monocromática con la técnica del carbón sobre papel, buscando una terminación muy contrastada en matices. Su inspiración podría recordar, en la intención, a las estampaciones clásicas conocidas, a lo largo de la Historia del Arte, como las de Ellison Hoover, Walter Buttrick o Piranesi.
El dibujo confiere, en sí mismo, una aportación más directa y resolutiva en su proceso creativo. No es un mero croquis o esbozo para la elaboración de la obra final, sino todo lo contrario. El dibujo ostenta un valor intrínseco que le dota de una autonomía total en su proceso de creación.

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TONI VAN TIEL

Eindhoven, Países Bajos, 1979

GALERIE BART

Toni van Tiel es un escultor en papel. Sus obras son bidimensionales, pero las construye como si todo el espacio público surgiera del papel. En sus dibujos, crea monumentos, fuentes y rotondas: esculturas en espacios públicos imaginarios. “Son esculturas reducidas. En los dibujos, la estructura no tiene que ser correcta». Toni siente que no es necesario realizar estas esculturas en tres dimensiones. Existen en el papel, y la imaginación del espectador hace el resto.

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RAYMOND LEMSTRA

Groninga, Países Bajos, 1978

GALERIE BART

Raymond Lemstra está fascinado por el fenómeno de la pareidolia: la percepción imaginada de un patrón o significado en, por ejemplo, una nube o un roca para atribuirles características humanas.
Las piezas presentadas en Drawing Room Madrid 2020 se hicieron cuando Raymond vivía en Corea del Sur, cuando, para salir y conocer Seúl, una gran ciudad alienante y abrumadora, se propuso un objetivo: «Estaba buscando interacción, quería que mi trabajo tuviera una conexión con mi entorno». Así, escogió los numerosos carteles y calcomanías presentes en el paisaje urbano como guía para explorar Seúl y este material agregó una nueva capa a los intereses de Lemstra. Apreciando el papel, la «piel» de la ciudad, desde las paredes de callejones oscuros, lo usó como fondo para sus trabajos más recientes.

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LAWRENCE JAMES BAILEY

Stoke on Trent, Reino Unido, 1976

GALERIE BART

Lawrence James Bailey creció en las ruinas posindustriales de la Gran Bretaña de los años ochenta antes de estudiar Bellas Artes en la Hull School of Art y más tarde en De Ateliers en Ámsterdam. Su interés por la geografía, la historia, el diseño de escenarios teatrales, la vida suburbana, los cultos religiosos, los movimientos de protesta y el folklore sirven como puntos de referencia de su obra. La relación de las personas con el paisaje constituye la columna vertebral de este trabajo, en particular cómo las personas usan su entorno para actos ocultos, subversivos o introvertidos.

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ISABEL MADUREIRA ANDRADE

Ponta Delgada, Portugal, 1991

FONSECA MACEDO – ARTE CONTEMPORÂNEA

Isabel Madureira Andrade formó parte de la lista de los 6 artistas finalistas del Prémio EDP Novos Artistas, 2019 (el premio más importante para jóvenes artistas en Portugal) y fue destacada por el jurado con la Mención de Honor.
Su trabajo, en óleo sobre lienzo o papel, es parte de una práctica de transposición de los objetos confeccionada a través de la técnica de «frottage», que destaca su estructura geométrica, organizada como un patrón repetitivo, creando un ritmo visual que, a menudo se acerca a una representación del cosmos.
Como Luísa Cardoso declaró en Cosmografias, a história e outras cores «Esta búsqueda del orden estructurante de las cosas y los fenómenos es una búsqueda de significado y hay en esta revelación… una especie de alquimia o transubstanciación que Isabel Madureira Andrade emprende utilizando objetos de todos los días «.

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