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Portugal, 1971

ARTE PERIFÉRICA

Fue aprendiz de tipógrafo-compositor con un primer oficial de tipografía de la Imprensa Nacional en un antiguo taller tipográfico de Cais do Sodré; tras esta decisiva experiencia su obra ha explorado el uso del texto como medio de expresión visual, pictórico y performativo, relacionando constantemente la palabra impresa con su contrapunto sonoro y fonético, en una postura activista y formalista en la experimentación lingüística. Su obra es amplia y diversa, con una doble actividad como artista y diseñador.

Portugal, 1994

UMA LULIK

La dimensión escultórica de la obra de Carolina Serrano pretende indagar sobre las posibles formas de utilizar el tiempo como material, explorando las posibilidades teóricas, conceptuales y materiales de la parafina negra en relación con el fuego. Este elemento, el fuego, está muy presente en sus dibujos invisibles / esculturas murales.

Este fuego, que se representa en las hojas de parafina, sólo puede verse si el espectador encuentra la inclinación adecuada para discernirlo, en una búsqueda metafórica y física de la luz, de lo que este fuego puede significar. Básicamente, apunta a la participación del espectador en el proceso de delineación de los diversos dibujos/esculturas que se presentan en confrontación con todos los demás soportes mediales presentados.

Portugal, 1964

TREMA ARTE CONTEMPORÂNEA

«… «Cuando tenía 15 años sabía dibujar como Rafael, pero he necesitado toda una vida para aprender a dibujar como un niño». Esta frase, atribuida a Picasso, no siempre ha sido bien interpretada y tiene todo que ver con la actitud del individuo hacia el dibujo.

¿Quién no recuerda los fuertes sentimientos de frustración durante los numerosos e inútiles intentos de dibujar de forma realista? No todos hemos tenido la oportunidad de estar cerca de alguien atento y que nos invite a insistir, no en una copia exacta de la realidad, sino en la representación de lo que conocemos y sentimos. Al igual que Picasso, muchos de nosotros no hemos tenido esa suerte, pero perseguimos una hermosa meta».

Carlos Barão

Portugal, 1968

TREMA ARTE CONTEMPORÂNEA

“Es una reflexión sobre mi relación con el mármol en mi práctica artística, la forma en que se apropió de mi cuerpo, de mi mente, y me transformó, mutiló y aprisionó. Con el paso de los años, mi piel se confunde con su epidermis, creando una nueva frontera tan efímera como la mía. La piedra se representa a sí misma y se confunde en su fragilidad con la condición humana. Con el tiempo la epidermis cristaliza en la mía, y se atrinchera creando nuevos límites y fronteras difíciles de traspasar”.

Carlos Andrade

España, 1974

GALERÍA SILVESTRE

Aun que Vicente Blanco es un artista multidisciplinar y en muchas ocasiones apuesta por la mezcla de técnicas y materiales, es en el dibujo donde encuentra un principio de indagación.

El artista nos invita a correr el riesgo de encontrar con él un nuevo lenguaje para una (no nueva) nueva realidad que aún no podemos abarcar. En su opinión, vivimos una crisis de lenguaje que nos lleva a una crisis de conocimiento. Sus dibujos crean nuevos códigos para un presente aún por descifrar en muchos aspectos.

Argentina, 1974

GRANADA GALLERY

Valeria Traversa es licenciada en Artes Visuales por la UNA, Universidad Nacional de las Artes, Buenos Aires. Su obra propone la dinámica de la línea en un sistema de formas que se interrelacionan, se contraen y se expanden, según las normas del dibujo constructivo, proyectual, performativo y espacial, en permanente movimiento entre lo tridimensional y el plano. Estudia los límites del dibujo con constantes búsquedas y ensayos que implican la acción y expansión del gesto.

España, 1970

MY NAME´S LOLITA

Parte de su producción se centra en la representación de objetos pero desde un punto de vista inseparable de existencia material y sentimental.

Todos lo hacemos, pero los creadores con mayor intensidad, de forma más consciente. Piensan con las manos, con las herramientas con las que cortan, pintan, doblan, rodeados de objetos que han seleccionado para dar forma a un lugar de trabajo: piensan en, y con, un lugar. Lo mismo que crean en la cama, mientras sueñan, en un espacio que queda al margen de la previsibilidad lógico-verbal. Teresa Moro nos ofrece una colección intimista de delicados gouaches con los que delinea los estudios o los pequeños muebles auxiliares de artistas, y aquellos mobiliarios de los que se rodearon. Son imágenes que evocan un contacto sensual, multimodal, con los objetos que podrían desencadenar, restaurar, los recuerdos de otra persona con la que desearíamos tener afinidades. Hay una forma de pensar en imágenes, o de sentir con una materia, con unos objetos determinados, que no se puede transcribir en palabras.

Italia, 1971

LUCÍA MENDOZA

Para Stefano Bonacci, la obra de arte es siempre el producto de una continua observación de la realidad que se resuelve y toma forma a través de un largo trabajo de síntesis. Su trabajo atraviesa varias fases, siendo el resultado final el que alumbra una forma arquetípica, una forma original que potencialmente contiene infinitas variaciones posibles. Vemos sus obras como máquinas anacrónicas que se escapan del tiempo presente, que no reflejan aspectos o imágenes populares. Son como organismos fosilizados, algo parecido a fragmentos de historia suspendidos en espacio y tiempo. Se concentran en silencio, en equilibrio con el espacio. Muchos de sus trabajos tienen su origen en la observación de la naturaleza y la relación que se crea entre el punto de vista y el paisaje observado, entre el espacio interior y el espacio exterior.

España

PARROTE

«A menudo encuentro los orígenes de mi trabajo en mi entorno natural, en esos paisajes a los que pertenezco y a los que siempre regreso. Ya difuminados en mi memoria vuelven reducidos a los hilos emocionales que me conectan con ese lugar, con ese camino, con esas brumas.

Intento detenerlos en una imagen que impida que se desprendan, y así evitar que me abandone el sonido de los vientos, el silencio de las nieblas, para que no desaparezcan, para no desaparecer yo. Son mi relación emocional con el paisaje.

Apenas contengo el flujo del agua, dejando que la tinta se acumule en los papeles que me rodean en puntos siempre nostálgicos, siempre tejidos por las ráfagas de los vientos, por el movimiento de las aguas, por el silencio que las habita…».

Pilar Cancio

Portugal, 1977

UMA LULIK

Aunque utiliza diversos medios, la obra de Paulo Lisboa se presenta frecuentemente en forma de dibujos o proyecciones, explorando las especificidades plásticas de los medios utilizados al abordar cuestiones relacionadas con la naturaleza de la luz y la percepción de la materia.

El interés de Paulo Lisboa por el grafito le llevó a investigar los lugares donde había yacimientos de este mineral. Recoge las piedras directamente de la naturaleza y utiliza el grafito en su forma más natural y pura en sus dibujos, sobre papel, cartón y ahora también sobre aluminio.