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Blog Archives

EUGÈNIA ALOY

España, 1973

OGAMI PRESS

Eugènia Aloy se licenció en Bellas Artes, en la especialidad de pintura, y pasó un periodo de investigación en la Universidad Southampton Solent en 1996. Realizó su primera exposición individual en 1997. Ha participado en varias exposiciones colectivas, aunque en los últimos años ha mantenido una presencia muy discreta pero sin abandonar su labor creativa. Sigue trabajando en técnicas que le permiten explorar las posibilidades del dibujo y la pintura en relación con el grabado.

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EMILIO GONZÁLEZ SAINZ

España, 1961

GALERÍA SIBONEY

Emilio vive una vida desdoblada entre sus paseos y su frecuentación de libros, mapas y relatos. Desdoblada y fluida, pues parece ver los acantilados con los ojos de Friedrich, pero también, cuando mira cuadros o estampas en los libros, pareciera como si caminara por ellos, aspirando aromas y sonidos. Lo emplea como activación, como excitación serena de algo que ya le pertenece. Es selectivo y exaltado, humilde y fanático. Sus obras están forjada por estos cuatro valores, a los que en la actualidad, se debe añadir otro y que no es otro que la certeza de quien sabe bien lo que se trae entre manos, y eso le posibilita disfrutar de sus obras, hasta el punto de salir a pasear por sus propios cuadros o acuarelas. E.G.S. entra y sale por unos paisajes que además de ser comunes a muchos de sus maestros, son los suyos propios. Pinta cosas y lugares que conoce, junto a los que desconoce pero imagina.    

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DIOGO BOLOTA

Portugal, 1988

UMA LULIK

Un imaginario inigualable puebla la mente de Diogo Bolota. La escultura, el dibujo, la pintura y la instalación, los códigos muy personales de este artista y unas morfologías que nos resultan familiares pero también misteriosas; todos estos elementos inspiran la obra de Bolota. Para llegar a este resultado final, el artista opta por mutaciones inquietas y acciones múltiples de carácter un tanto irreal, casi surrealista.

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DEBBIE REDA

Argentina, 1976

EXHIBIT LAB

Los personajes de la serie Monsters Collection de Debbie Redah proceden de su visión del mundo. Todos estamos invitados a disfrutarlo, todos participamos de una idéntica base dónde reina el color, la alegría, la comunicación y la adaptación.

Una humanidad profunda, neutra, imperfecta, nos coloca a todos en el mismo plano. Un plano desde el que destacan nuestros ojitos desiguales o nuestro cabello ralo.

La artista mezcla las imperfecciones con los rasgos más logrados y las capacidades más extraordinarias. Debbie Reda configura sus pequeños monstruos a partir de los ámbitos diversos donde se ha desarrollado ella misma: diseño textil, geometría, literatura y cultura viajera.

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DANIEL VERBIS

España, 1968

GALERÍA SIBONEY

La serie El que guarda su boca guarda su alma (2020-21), está formada por pequeñas piezas pictóricas realizadas sobre las guardas de las tapas desencuadernadas de enciclopedias o libros de saldo. Estas tapas, que son los restos reciclados de esos libros que Verbis utiliza para hacer collages, funcionan como reliquias “povera” convertidas en improvisados soportes donde poder pintar con absoluta libertad pequeños dípticos que se despliegan como las cromáticas alas de una mariposa o como las innocuas serigrafías de un test de Rorschach; unos dípticos que son la consecuencia de desdoblar el soporte y ver al mismo tiempo dos imágenes teóricamente enfrentadas, dos imágenes anteriormente encaradas en su incomunicada intimidad.

Partiendo de estos emparejamientos de imágenes siamesas, Verbis demuestra que el único debate estético que prospera es, en definitiva, el que se da entre lo que se repite y lo que se diferencia.

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DANIEL FLEUR

Suecia, 1992

WADSTRÖM TÖNNHEIM GALLERY

Daniel Fleur terminó sus estudios en la Academia de Arte de Malmö en 2018 y ha comenzado ya una carrera internacional.
Tanto sus dibujos como sus pinturas al óleo tienen su punto de partida en los cambios y las desviaciones que pueden ocurrir cuando una imagen se traduce en información codificada. En su trabajo, Fleur permite que tanto su propio uso de imágenes digitales como la forma de comunicación de la sociedad se transformen en una nueva creación donde se examina la sustancia de la imagen digital y su relación con la pintura.
La traducción de la información visual y los procesos de compresión de la imagen generan estos paisajes desmaterializados cuyas líneas y colores se comportan como cuando uno intenta recordar un sueño justo después de despertarse, en una posición entre la pervivencia y la desaparición.

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CRUZEIRO SEIXAS

Portugal, 1920 – 2020

PERVE

«El surrealismo sigue siendo, para mí, la prueba más segura de que las manos del hombre pueden mantenerlo, suspendido, sobre el precipicio. Las manos, digo. Evidentemente, se suspende. Sin embargo, debo tratar de aclarar que creo que hay otras posibilidades y que no vienen más del futuro que del pasado. Caer por el precipicio es evidentemente una de estas posibilidades y no de las menos tentadoras, me parece. Oigo, monótonamente, el ruido del mar en la cubierta de la ciudad. Veo los libros, como islas. Y el mar, devolviendo a los náufragos. ¿Puedo decir que el surrealismo es un camino que me sigue? El surrealismo me ha confirmado, la vida de la piedra, la mirada fortuita, la puerta cerrada. Pero quiero guardar, con avaricia, una cierta dosis de desacuerdo y de denuncia. Por ejemplo, la moral surrealista me parece sumamente risible. Y quizás, peor por menos risible, cierto refinamiento intelectual, aceptado y hecho ley por ciertas, muchas, personas execrables, que se sientan surrealistas, gesticulan surrealistas, cruzan la calle surrealistas, creen que el surrealismo es su propiedad».

Cruzeiro Seixas

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CATARINA MIL-HOMENS

Portugal, 1979

UMA LULIK

El carbón es el protagonista en las obras de Catarina Mil-Homens. “La gradación de los negros en al menos dos niveles de opacidad favorece una percepción más intensa que permite insinuar volúmenes que emergen de una primera capa replicando su contorno geométrico sobre el fondo neutro. Obstinadamente mudas, estas figuras latentes nos interrogan sobre el tránsito entre lo visible y lo invisible, ya que el material se hace presente capa tras capa, siguiendo un proceso lento y cuidadoso que involucra el cuerpo del artista hasta lograr un acabado impecable.

El resultado es una acumulación densa, de un negro mate y aterciopelado que bien podría funcionar como atractor de la luz, al tiempo que sugiere una profundidad tan inasible como magnética, situándonos al borde de un abismo cuya negrura implica oclusión, pero también una presencia encarnada y resonante que nos mira desde el vacío (…)”. Escribió la historiadora de arte y crítica Marta Mantecón sobre la práctica de la artista.

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CONCEIÇÃO ABREU

Portugal, 1961

MAIO ART AGENCY

«Exploro la relación cuerpo y espacio en su condición de «penetración recíproca», como la llama Emanuele Coccia (2013). Mi trabajo se centra en encontrar y construir ese entrelazamiento.

Organizo mi práctica en gestos que llevo a cabo sin gran dificultad de ejecución -como rascar, caminar, rodar, tejer o hacer fotografías instantáneas.

Acciones que realizo de forma repetitiva. Cadencia que dilata el tiempo y abre un espacio que genera relaciones entre interioridad y exterioridad, material e inmaterial.

Al igual que los procesos textiles, los gestos que realizo son una forma de acercarse a ellos, de conectarse y de enlazar. De esta mezcla y movimiento surgen imágenes y objetos. Como tejidos que emergen de estados de permanencia y desplazamiento.

Las obras, organizadas en este proceso creativo de entrelazamiento son, en este sentido, espacios relacionales que percibo como dibujos de nuevas geografías».

 

Conceição Abreu

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ZÉ DE ROCHA

Brasil, 1979

RV CULTURA E ARTE

En la investigación de Zé de Rocha destaca la palabra RIESGO, la cual el artista brasileño utiliza como su principio creativo, en sus acepciones de rastro y peligro.

De este modo, los dibujos del artista y profesor brasileño pueden asociarse a diversos contextos, en los que la fascinación ejercida por el fuego confirma la convivencia con el riesgo como factor inherente a la propia constitución del ser humano. Es el riesgo en su recurrencia y multiplicidad, ya sea como trazo o línea, peligro inminente o amenaza, borrado, dibujo de luz y oscuridad.

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