Portugal, 1979
EXHIBIT
Francisco Mendes Moreira comenzó a pintar en 2003 y a exponer en 2007. Su obra opera con un color y una deformación emocional y, en el caso de las obras sobre papel, adapta sus posibilidades a las formas y formatos del cartón reutilizado. Mendes Moreira ha desarrollado una carrera internacional con exposiciones en galerías de Los Ángeles, Copehangue, Barcelona, París.
España, 1973
EXHIBIT
¿Puede invertirse el planteamiento Darwiniano? De todas las especies que habitan nuestro planeta, ¿cuál ha evolucionado y hacia dónde?. Estas preguntas pueden ser fáciles de plantear, y posiblemente de resolver, si nos adentramos en el mundo distópico del artista Cesc Abad.
El hombre se ha diferenciado del resto de animales por su capacidad de razonamiento, de pensamiento crítico y en definitiva por su inteligencia, y según los planteamientos de Nietzsche, incluso ha sido capaz de superar la esclavitud de la condición humana llegando a conseguir la libertad, lo que le permite dar rienda suelta a su creatividad.
No obstante, puede pasar que, lo que parece la cúspide de la civilización, no esté pensada para el hombre, sino para animales capaces de desarrollar comportamientos más eficaces que los del ser humano.
Japón, 1956
GALERÍA LUCÍA MENDOZA
El papel es fundamental para entender la obra de Toshiro Yamaguchi, un papel que él entiende como soporte, pero también como material. Sus obras sobre papel son aparentemente sencillas, ligeras, casi geométricas, en ocasiones son dibujos y en otras se convierten en insospechados bocetos que prometen otras obras abrazando una inesperada tercera dimensión.
Es interesante mostrar ese proceso en el que los dos formatos/soportes mantienen una identidad propia y, aun pareciendo complementarias o al menos relacionadas, adquieren un firme carácter de manera independiente.
Georgia, 1990
THE WHY NOT GALLERY
Shalva Nikvashvili es una artista multimedia que trabaja principalmente en torno a los conceptos de identidad y memoria, tradición y afiliación cultural. La artista se dedica a desafiar y poner a prueba los límites de lo aceptable, ya sea en el arte o en la vida. Estudió en la Academia Estatal de Artes de Tiflis, en la Facultad de Diseño, y luego pasó a estudiar escultura en la Real Academia de Artes de Amberes. Las obras de Shalva se han expuesto en varias galerías y museos europeos, como el Instituto KW de Arte Contemporáneo de Berlín y la Galería Barbara Thumm de Berlín. Su obra ha aparecido en importantes publicaciones de arte como la revista ID, Vice, Metal Magazine y otras. En 2021, Shalva trabajó con Kirill Serebrennikov en la ópera «Nos» de D.Shostakovich, Bayerische Staatsoper, y creó máscaras para la representación. Shalva Nikvashvili vive y trabaja actualmente en Bélgica.
Georgia, 1991
THE WHY NOT GALLERY
Gvantsa Jishkariani es una artista multimedia que trabaja con diversos medios, como la pintura, la fotografía y la escultura. Dedicada a la experimentación, a la artista le gusta explorar la artesanía tradicional, investigar sus propias asociaciones, investigar la tradición y luego emplear los conocimientos para crear su arte. Sus obras tratan a menudo de sus emociones y experiencias personales, además de reflejar las condiciones sociopolíticas de la Georgia actual. La artista suele emplear el humor para abordar estos temas tan personales y relevantes. Gvantsa es el cofundador de las galerías de arte contemporáneo de Tiflis, Patara Gallery y The Why Not Gallery. En 2021, Gvantsa recibió el Premio Semilla de la Fundación Príncipe Claus. En 2020 fue seleccionada para la lista Forbes 30 under 30, Entre 2017 y 2019, Gvantsa fue la comisaria del Tbilisi Photo Festival Night of Photography. En 2019 ganó la beca de estudio de la Fundación NARS, en Nueva York, y en 2017 la artista recibió el Premio Tsinandali de Artes Visuales. Gvantsa fue la fundadora de la primera revista online georgiana Gargar magazine sobre arte y moda.
Francia, 1928- 1962
GALERÍA CORTINA
Yves Klein fue un artista francés representante del movimiento neodadaísta y uno de los fundadores del Nuevo Realismo. Si el denominador común de las obras era el ser monocromáticas, en la aplicación del color, el pintor jugó mucho más. Primero, experimentó con diferentes rodillos y esponjas aunque, muchas veces, simplemente depositaba la pintura y dejaba que esta se colocase a sí misma para que el azul se expresase y encontrase su propia forma.
Yves Klein comenzó a utilizar esponjas naturales para sus trabajos desde 1956, antes de decidirse a aplicar la pintura con rodillo. En los relieves de Klein, el lecho orgánico aparece estructurado con numerosas esponjas en capas superpuestas; recuerdan el fondo primitivo del mar o lejanos paisajes planetarios.
Con esta escultura original de Yves Klein que la galería Cortina presenta, se pueden apreciar dos de sus grandes características, el color y el material, esponja. El famoso color azul intenso, que patentó como el International Klein Blue, (IKB) o Azul Klein (ahora también llamado azul style por grandes firmas de moda que han decidido también ponerle ese sobrenombre).
Francia, 1879 – 1953
GALERÍA CORTINA
Un universo poblado por sus personajes -arquetipos – la mujer, la estrella, el pájaro, el sexo femenino. Los grafismos de Miró adquieren un sello tan personal que es imposible no identificarlos. Francis Picabia, nacido Francis-Marie Martínez de Picabia; 22 de enero de 1879 – 30 de noviembre de 1953, fue un pintor, poeta y tipógrafo de vanguardia francés, con ascendencia Española.
Comenzando sus primeros pasos como impresionista y figurativo, para luego experimentar con otras vanguardias, manteniendo a menudo un sentido de lo absurdo o lo inquietante. Quizá lo más interesante sea contemplar la obra de Picabia a la luz de los numerosos y variados movimientos artísticos a los que estuvo expuesto, y con los que mantuvo una relación significativa y dinámica.
Lo esencial de una obra cuyo eje principal fue el cuestionamiento de la figura en la exaltación o la eliminación de la misma. Los bruscos cambios artísticos y estilísticos que constituyen la esencia de la curiosidad creadora de Picabia expresan, además de su pasión por la pintura y por la imagen, su miedo a la desaparición.
Portugal, 1954
GALERÍA MONUMENTAL
Hay una niebla en nuestros ojos cuando miramos hacia atrás.
Estas imágenes dibujadas anuncian el fin de la representación y el comienzo del olvido. La memoria y el olvido.
Representar es figurar lo imposible y olvidar, una pequeña muerte. No sé si estos dibujos nublados, llenos de agua, nos ayudan a ver el árbol, la noche o las habitaciones que recordamos. Podría tratarse de una serie policial que remitiera a una incógnita. ¿Quién, de estas figuras/personajes, casi fantasmas, quedará finalmente envuelto en las sombras de una película rota? Todos, en efecto. Incluso los que están de espaldas para mirar casi
nada (el fin de la función o el comienzo de un eterno olvido).
Dibujar duele. El cuerpo está tenso y la mano no toca el papel, sólo los dedos mueven el movimiento del claroscuro. ¿Cuál será la decisión (cuando vamos en bicicleta): mirar hacia atrás o avanzar a ciegas?
Carlos N Correa
Portugal, 1958
GALERIA MONUMENTAL
Licenciado en Pintura y con un doctorado en Dibujo por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Lisboa. Trabajó con Mario Mertz y estudió con Georg Eisler (dibujo y pintura con modelo) en la Academia Internacional de Artes de Salzburgo, Austria. Se especializó en la realización de grabados
y litografía con Dževad Hoso en Sarajevo, Yugoslavia (1984/85).
Enseña dibujo en la Facultad de Bellas Artes de Lisboa.
Expone su obra regularmente desde 1981 y está representado en colecciones públicas y privadas, tanto en Portugal como en el extranjero. Miembro fundador y comisario de la Galería
La obra de Manuel San-Payo es esencialmente deudora del dibujo en su evidente componente gráfico. Manteniendo una disciplinada práctica diaria de dibujo de observaciones cotidianas durante décadas, incluso la dominante abstracta de su obra sostiene un conflicto latente con la figura y la figuración que siempre está alrededor, subyacente o en suspensión.
Portugal, 1991
GALERIA MONUMENTAL
Gomes Gago está licenciado en Dibujo por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Lisboa. Tiene también un Máster en Dibujo y Grabado por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Oporto. Entre otras distinciones, en 2018 João recibió el gran premio de la Bienal Internacional de Arte Joven de Vila Verde (Premio BPI). Está representado en colecciones privadas e institucionales en Portugal y en el extranjero.
Toda la obra de João Gomes Gago, desde 2017 hasta ahora, presenta una conexión íntima con el resplandor y sus huellas, y a menudo una conexión explícita con el fuego: en la serie «Reenactment», de 2017, donde tanto el papel como el dibujo son devorados por el fuego, utilizado como medio junto con el carbón, la tinta china y el acrílico; o en «Shadows», de 2018, que recupera una técnica antigua, utilizando tinta litográfica sobre papel fotosensible. La energía que siempre es lo primero que nos llama la atención cuando miramos sus obras, nos habla de cómo la línea puede revelar un energón, un cuerpo de energía en acción, mucho más poderoso que el cuerpo delicado, discreto y funcional del artista. Lo que João Gomes Gago ofrece en cada una de sus obras es una acción que se trasciende a sí mismo y trasciende al espectador, tocándonos con una fuerza ardiente y atrayéndonos hacia algo de lo que carecemos sin saberlo.
