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enero 19, 2017 at 19:05

Emmanuel Lafont

Emmanuel LAFONT. ‘Aquelarre’, 2016. Courtesy: Galería Yusto Giner, Marbella

EMMANUEL LAFONT

Buenos Aires, Argentina, 1980

Presentado por YUSTO/GINER

Emmanuel Lafont estudia Bellas Artes en la Universidad de Córdoba (Argentina) para luego trabajar de asistente en el Art Center South Florida de Miami y, una vez afincado en Málaga, como gestor cultural, desarrollando proyectos artísticos multidisciplinares en colaboración con diferentes creadores o ilustrando proyectos editoriales y multimedia. Su interés por los procesos artesanales y la utilización del grafito o la tinta convive con la necesidad de buscar nuevos lenguajes, como el vídeo o la instalación. En general, el artista argentino enfatiza los aspectos narrativos, introduciendo referencias más o menos surrealistas, fantásticas o mágicas, literarias y autobiográficas. En la trilogía “Los extremos”, “Las aristas” y “Los paisajes isométricos” se propone ordenar a través de la geometría un mundo marcado por el caos, mientras que en la serie “Greetings from Silence” presenta un conjunto de espacios congelados, listos para ser utilizados por un ser humano que parece haber desaparecido.

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enero 19, 2017 at 19:03

Edith Kollath

Edith KOLLATH. ‘On going’, 2010. Courtesy: Collectiva Gallery, Berlín

EDITH KOLLATH

Eutin, Alemania, 1977

Presentada por COLLECTIVA GALLERY

Tras sus estudios en el Central Saint Martins College de Londres y la Artistotelous University de Tesalónica, completa su formación en la Universidad de Ciencias Aplicadas y la Universidad de Bellas Artes de Hamburgo. Actualmente se encuentra realizando el doctorado en la Bauhaus Universität de Weimar. Afincada entre Frankfurt y Berlín, Edith Kollath es cofundadora de Style-Unique en 2003 y pertenece desde 2007 al colectivo de artistas, hackers, músicos y pensadores NYC Resistor. Interesada por el concepto de lo infraleve duchampiano, la artista suele dotar de vida y expresión a materiales inanimados, experimentando con sus cualidades y propiedades, sus estados de metamorfosis y su comportamiento al ocupar un determinado espacio. Sus dibujos de cinta sobre papel o sus propuestas multidisciplinares revelan su inclinación por las poéticas de lo inmaterial y por el diálogo entre la tradición y las nuevas tecnologías.

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enero 19, 2017 at 18:44

Alfredo Igualador

Alfredo IGUALADOR. ‘Todo este caer’, 2014‐2016. Courtesy: Galería Magda Bellotti, Madrid

ALFREDO IGUALADOR

Madrid, 1971

Presentado por GALERÍA MAGDA BELLOTTI

Alfredo Igualador realiza habitualmente instalaciones en las que una serie de dibujos de trazos gruesos en blanco y negro son puestos en diálogo con acuarelas de color, haciendo convivir diferentes escenas tomadas de la realidad cotidiana, cercanas al desastre, especialmente al dolor y sufrimiento humanos. Árboles rotos, accidentes y catástrofes de diversa índole, personas sin techo o deambulando por un vertedero, campos de refugiados, enfermos en un hospital de Sierra Leona, heridos en Gaza o seres que se enfrentan diariamente a otros contextos de guerra componen el proyecto “Todo este caer”, que da título a un libro precedido por una exposición cuyo epígrafe ha sido tomado de un poema de Samuel Beckett. La pintura abierta a un campo expandido, según ha manifestado el artista, restituye en otro lugar las imágenes que nos inundan por cualquier lado en cualquier momento, rescatando de la vida lo necesario y haciéndose cargo.

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enero 19, 2017 at 18:41

Irene González

Irene GONZALEZ. De la serie ‘Melancolia’, 2015. Courtesy: Galeria Silvestre, Madrid

IRENE GONZÁLEZ

Málaga, 1988

Presentada por GALERÍA SILVESTRE

Licenciada en Bellas Artes con un Máster en Dibujo por la Universidad de Granada, los dibujos presentados por Irene González en Drawing Room pertenecen al proyecto “Espacios afectivos, zona de ruinas”. Se trata de una serie de composiciones en blanco y negro, con claras reminiscencias de la fotografía antigua, que versan sobre la melancolía. Representan una serie de lugares conectados con los juegos infantiles y los espacios del pasado, la memoria y el recuerdo. Según ha expresado la artista, no hay nada más melancólico que la repetición, el eterno retorno, el regreso al espacio ya conocido, a nuestras zonas afectivas. Irene González siente que vagamos en círculos por un laberinto, mientras intentamos llegar a un centro inalcanzable, donde se encuentra el fantasma de los orígenes y el misterio de la pérdida, de ahí la profunda extrañeza que producen estos dibujos.

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enero 19, 2017 at 17:54

Regina Giménez

Regina GIMÉNEZ. ‘Geometría cósmica’, 2016. Courtesy: Rodriguez Gallery, Poznan (Polonia)

REGINA GIMÉNEZ

Barcelona, 1966

Presentada por RODRÍGUEZ GALLERY

La pintora y artista gráfica Regina Giménez se apropia de imágenes que, una vez extraídas de su contexto original y privadas de referentes, generan su propia autonomía para ser reordenadas después, dando lugar a un repertorio de nuevas lecturas relacionadas con lo desconocido y lo infinito. En el proyecto “Geometrías cósmicas” de 2016 la artista parte de una serie de libros escolares obsoletos ilustrados con representaciones astronómicas. Tras un proceso de combinación, repeticiones, superposiciones, cambios de color e introducción o subrayado de diferentes texturas e incluso de ocultamiento y borrado, Regina Giménez ofrece un universo siempre inacabado que remite a la imposibilidad de representar una imagen significativa, sino tan solo de recomponer una realidad fragmentada siguiendo la lógica del collage. El resultado son unas composiciones que, cargadas de nostalgia, presentan ecos de algunos movimientos de abstracción geométrica de la vanguardia histórica o remiten a las extrañas maquinarias del universo dadaísta.

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enero 19, 2017 at 17:52

Susana Gaudêncio

Susana GAUDÊNCIO. ‘Table’, 2012. Courtesy: Carlos Carvalho Arte Contemporânea, Lisboa

SUSANA GAUDÊNCIO

Lisboa, Portugal, 1977

Presentada por CARLOS CARVALHO ARTE CONTEMPORÂNEA

El dibujo constituye para Susana Gaudêncio un elemento estratégico clave en el desarrollo de su trabajo, así como un vehículo de experiencia, acción y conceptualización. El proyecto “Época de Estranheza em Frente ao Mundo” de 2012, presentado en el Museo do Chiado de Lisboa en 2014 tras haber publicado un libro con el mismo título, recupera una expresión del filósofo Odo Marquand que el arquitecto Ignasi de Solà-Morales cita en “Terrain Vague” para definir la situación actual. Incluye una serie de dibujos reunidos bajo el epígrafe “Manifesto” acompañados de la videoanimación en loop “Vortex” y una mesa que remite a la clásica sala de reuniones donde se negocian y definen las estrategias que nos uniformizan. Susana Gaudêncio profundiza en cuestiones como la extrañeza y aborda su práctica artística como una plataforma donde encontrar nuevas posibilidades para cuestionar la utopía como un dispositivo crítico eminentemente político.

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enero 19, 2017 at 17:47

María García-Ibáñez

María GARCÍA-IBÁÑEZ. ‘Panal’ (Tríptico), 2016. Courtesy: Galería Paz y Comedias, Valencia

MARÍA GARCÍA-IBÁÑEZ

Madrid, 1978

Presentada por GALERÍA PAZ Y COMEDIAS

El proyecto «Geometría de un hueco» de María García-Ibáñez explora la representación del vacío, tomando como punto de partida la estructura de las colmenas, su repetición modular y su relación con el paisaje y el territorio. La artista, licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid con un máster en Tecnologías Digitales Interactivas, ha sido reconocida en 2006 con el Premio Circuitos de Artes Plásticas y Fotografía del Programa de Arte Joven de Madrid y con el Premio Injuve de Proyectos Audiovisuales del Instituto de la Juventud. Afincada en la actualidad entre Madrid y México, trabaja con líneas, siluetas y geometrías que le permiten desenvolverse en distintos medios. Es el caso del tejido en el telar, el papel recortado a láser, los ladrillos esmaltados o la acuarela y el gouache; procedimientos todos ellos que remiten al dibujo, que se convierte en el vehículo expresivo elegido para investigar las posibilidades gráficas del hueco y, por extensión, del vacío.

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enero 19, 2017 at 17:39

Matías Ercole

Matías ERCOLE. ‘Rota II’, 2016. Courtesy: Galería Punto, Valencia

MATÍAS ERCOLE

Buenos Aires, Argentina, 1987

Presentado por GALERÍA PUNTO

El creador argentino Matías Ercole explora en sus dibujos la iconografía del paisaje para compartir su reflexión sobre la deformación de lo natural y la forma misma en que se construye y conceptualiza una imagen, según su propia definición. Habitualmente dibuja con agujas o cuchillas sobre una capa de tinta china negra que cubre a su vez una pátina de cera dispuesta previamente sobre papel en tela. Los monocromos resultantes se relacionan con estructuras de hierro y chapa que dotan a cada pieza de un componente escenográfico. La figuración, de ecos románticos, acaba lindando con la abstracción. Licenciado en Artes Visuales por la Universidad Nacional de las Artes de Buenos Aires, su obra ha sido objeto de significativos reconocimientos, como el Premio de la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires y el del Concurso de Pintura UADE en 2013, el primer premio del Proyecto A Arte Contemporáneo en 2011 o el del Concurso Faber Castell en 2008.

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enero 19, 2017 at 13:31

Florentino Díaz

Florentino DÍAZ. Serie ‘Seguros Minerva’, 2011. Courtesy: Galería Siboney, Santander

FLORENTINO DÍAZ

Fresnedoso de Ibor, Cáceres, 1954

Presentado por GALERÍA SIBONEY

Toda la obra del creador extremeño Florentino Díaz ofrece una reflexión sobre la casa y las formas que tenemos de habitar el espacio. Su recorrido expositivo, iniciado a finales de los ochenta, se encuentra jalonado por múltiples exposiciones y diversos reconocimientos, entre los que cabe destacar el Premio Altadis de las Artes Plásticas, recibido en 2001. Esta serie de dibujos con grapas, comenzada en 2011, tiene su punto de partida en un álbum de fotografías de Seguros Minerva del año 1958 encontrado en el rastro de Madrid. Las imágenes muestran diferentes interiores que han sido intervenidos con grapas metálicas con las que el artista redibuja determinadas áreas o genera formas que interaccionan con el resto de elementos espaciales. En ocasiones, incorpora personajes de tebeo que introducen una nota de humor que contrasta con la seriedad del ambiente de posguerra que se manifiesta en las fotografías.

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enero 19, 2017 at 12:51

Joan Cardells

Joan CARDELLS. ‘R-­1057’, 2006. Courtesy: Galería Punto, Valencia

JOAN CARDELLS

Valencia, 1948

Presentado por GALERÍA PUNTO

Entre 1966 y 1976 Joan Cardells fue uno de los integrantes del Equipo Realidad junto a Jorge Ballester, siendo una de las voces fundamentales del arte pop en el contexto español. En aquel momento, su pintura cuestionaba a través de una figuración crítica y desmitificadora la situación política, social, económica y cultural de un país marcado por la dictadura y los orígenes del consumismo. Su obra en solitario constituye una celebración del dibujo que a veces se solidifica en esculturas que traducen su permanente voluntad de investigación material y conceptual. La exploración de la relación que existe entre el dibujo y la escultura se centra habitualmente en la representación de diferentes objetos contenedores huecos con los que expresa sus reflexiones sobre el vacío. Estos dibujos al grafito responden a un ejercicio de constante síntesis y abstracción formal, cada vez más concentrada, donde el continente, envase o receptáculo sugerido acaba transformándose en el propio contenido, librado de toda simbología referencial.

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